Conversaciones Concéntricas

Seis encuentros con una invitada o invitado de alta trayectoria en asuntos de investigación, creación, gestión cultural y estética, para llevar a cabo conversaciones que provoquen ideas para la creación conjunta respecto a las Expresiones Artísticas Comunes.

En esta primera versión, la invitada especial fue María Claudia Mejía Álvarez. Directora Malas Compañías Danza Contemporánea. Coreógrafa, bailarina, profesora de danza contemporánea. Máster en Prácticas Artísticas Contemporáneas y Difusión, Universidad de Girona, España. Comunicadora Social-Periodista Universidad de Antioquia. Diplomada en Danza contemporánea Escuela Popular de Arte de Antioquia. Directora y coreógrafa de Malas Compañías Danza Contemporánea. Co-fundadora Licenciatura en Danza, Universidad de Antioquia. Ha estudiado, bailado sus obras, obtenido premios, becas de creación y/o residencia artística en países como Reino Unido, España, República Dominicana, México, Venezuela y Colombia. Feminista y activista. Pertenece al movimiento político feminista Estamos Listas.

“En el arte no hay fórmulas. Hay estudio, constancia, preguntas constantes, investigación, intuición. Aciertos y errores.” M.M.A.

Intercambio artístico y cultural: conversaciones concéntricas del Centro Cultural de Moravia

Encuentro 1

Fecha: 8 de septiembre del 2021 Orientadora: María Claudia Mejía Tema: Cámaras y pantallas. Nuevas plataformas para presentarse Lugar: Centro Cultural Moravia Participantes: Gloria García, Cristina, Carmen Rubio, Andrés Caballero, Moderadora: Leidy Rendón Redactora: María Clara Rivera

Desde la emergencia sanitaria provocada por la pandemia de Covid-19 surgió una nueva forma de realizar las tareas más cotidianas: limpiar cualquier cosa que llegara a casa, saludar con el codo y mirarnos a partir de las pantallas. El ojo del mundo cambió al punto que podemos sustraernos solo a lo que vemos en las pantallas y cómo nos ven.

¿Cómo los artistas podemos usar este ojo?, ¿Cuáles son los nuevos auditorios para la cultura?, ¿Qué lugares de presentación y exposición surgen en el contexto de la pandemia? son las preguntas con las que María Claudia Mejía inició la sesión en la que los participantes exploraron cómo moverse mientras se reflejaban en una pantalla grande de videollamada.

Como todos, los artistas debieron adaptar sus procesos y prácticas a las nuevas posibilidades de encuentro: las pantallas y la virtualidad. Algunos dibujantes usaron los recuadros de las llamadas como viñetas, los bailarines hicieron montajes en los que tuvieron por escenografía su casa, las bandas ensayaron con un instrumentista por recuadro. Pero, trasladar un evento que fue diseñado para los escenarios presenciales sin adaptarlo a las nuevas condiciones de reproducibilidad, resulta obstruyendo la recepción por parte de los espectadores.

El ejercicio propuesto fue una reflexión activa al respecto. Incentivó la movilización de los participantes por el espacio del auditorio, al tiempo que surgía una conversación sobre las posibilidades de usar las pantallas de formas no convencionales; es decir, de maneras diferentes a cómo las disponemos con timidez en las llamadas, con el fin de transformarlas en un espacio de juego y creación.

M.C. “La pandemia nos puso a los artistas, bueno, a todos, a mirar por las pantallas. Este es ahora el ojo del mundo. Uno puede intentar sustraerse a esto, pero uno vuelve y entra y se da cuenta que este es el ojo del presente”. Pandemia- prácticas artísticas. M.C. ¿Cómo los artistas podemos utilizar esto creativamente? no solo como una herramienta para comunicarnos, que es básicamente lo que estamos haciendo, sino cómo este es el nuevo escenario. Pandemia- adversidad- prácticas artísticas. M.C. “Cuando empezó la pandemia todo el mundo empezó a mostrar sus cosas a través de las redes. Para mí es muy aburrido ver cosas que fueron pensadas para la presencialidad, pasaron a la virtualidad sin más. Entonces me pregunté: ¿Qué tal si pensamos que esta cámara, este escenario rectangular puede ser desde una pantalla, hasta esto, un auditorio? Pensar, ¿Qué nos da a los artistas?” Pandemia, redes sociales, cámaras, virtualidad, prácticas artísticas. M.C. Fíjense en las formas que suceden, más allá de lo divertido que está pasando. Los contrastes de colores, ¿Qué cosas están haciendo? Cámaras, creatividad, artistas. M.C. Aproximarse a la pantalla, para buscar cosas nuevas, es una experiencia muy lúdica. Pantallas, pandemias, percepción de sí. M.C. Aprovechemos lo que está sonando, ¿Qué tanto incide eso que escuchamos en cómo nos representamos ante las pantallas? Cámaras, creatividad, sonido. Los movimientos de los asistentes fueron tímidos al principio. Exploraron la distancia entre unos y otros, así como los límites del marco del vídeo. La escenografía adquirió un rol fundamental y dejó de ser el fondo que acompaña. De esta manera, el auditorio no fue un lugar pasivo donde el espectador se sienta y asiste a lo que se dé, sino que se convirtió en el espacio de juego.

La distancia entre la cámara y los participantes fue otro motivo de reflexión. Hacer primeros planos; estar cerca, detenido frente a la cámara mientras los compañeros caminan sobre las sillas se descubrió como un recurso novedoso. Usar otros objetos que sirven para reducir el campo de visión y enfocar o desenfocar a las personas. Utilizar la voz, la música y los ruidos de fondo como un estímulo para el movimiento.

M.C. “La pandemia nos puso a los artistas, bueno, a todos, a mirar por las pantallas. Este es ahora el ojo del mundo. Uno puede intentar sustraerse a esto, pero uno vuelve y entra y se da cuenta que este es el ojo del presente”. Pandemia- prácticas artísticas. M.C. ¿Cómo los artistas podemos utilizar esto creativamente? no solo como una herramienta para comunicarnos, que es básicamente lo que estamos haciendo, sino cómo este es el nuevo escenario. Pandemia- adversidad- prácticas artísticas. M.C. “Cuando empezó la pandemia todo el mundo empezó a mostrar sus cosas a través de las redes. Para mí es muy aburrido ver cosas que fueron pensadas para la presencialidad, pasaron a la virtualidad sin más. Entonces me pregunté: ¿Qué tal si pensamos que esta cámara, este escenario rectangular puede ser desde una pantalla, hasta esto, un auditorio? Pensar, ¿Qué nos da a los artistas?” Pandemia, redes sociales, cámaras, virtualidad, prácticas artísticas. M.C. “Fíjense en las formas que suceden, más allá de lo divertido que está pasando. Los contrastes de colores, ¿Qué cosas están haciendo?” Cámaras, creatividad, artistas. M.C. “Aproximarse a la pantalla, para buscar cosas nuevas, es una experiencia muy lúdica”. Pantallas, pandemias, percepción de sí. M.C. “Aprovechemos lo que está sonando, ¿Qué tanto incide eso que escuchamos en cómo nos representamos ante las pantallas?” Pantallas, sonido, entorno. Primera socialización del ejercicio

M.C. ¿Cómo les fue con la actividad? ¿Qué vimos, qué sentimos? Actividad. C.R. “Cuando se piensa como un juego es más fácil enfrentarse a la cámara. A mí no me gustaba mirarme en la cámara. Cuando empecé las clases virtuales por la pandemia no prendía la cámara. Ya ahora he aprendido a prenderla para intervenir, aunque hay gente que no lo hace. No sé si esto tenga que ver con un problema de auto-aceptarse, como cuando uno canta, no es lo mismo como uno se escucha a como suena al grabarse”. Actividad, cámaras, representación, autopercepción. M.C. “Recordemos que este espacio es para explorar y reflexionar. En estos espacios las categorías de bello, feo, bueno o malo no deben interesarnos, pues estamos para explorar”. Actividad, cámaras, representación, autopercepción. G.G. “Profe, este momento fue para mi más suelto, la primera vez no fui capaz de moverme. Esta segunda vez sí. Ya la tercera vez estaré más suelto”. Autopercepción, cámaras, M.C. “En el arte muchos de los ejercicios son de repetición. Pero, no la repetición de hacer lo mismo cada vez, más bien hacer muchas veces una acción para que salga diferente”. Actividad, prácticas artísticas M.C. “¿Sienten que esto sirvió para algo? No todo tiene que servir”. Actividad “Ahora vamos a realizar un tercer ejercicio, vamos a jugar en este escenario contemporáneo y ahora lo vamos a intervenir con sonido. Como personas creadoras y creativas, en lugar de rechazar las pantallas o usarlas como todo el mundo, pensemos maneras creativas de interactuar con ellos Yo no sé si esto sirva para algo, es como estar en un universo paralelo, un universo que es creativo”. A.C. ¿Esto lo hacen mucho en las clases de danza, de teatro? Actividad M.C. “De teatro, seguramente. Yo lo empecé a hacer porque cuando cayó la pandemia, yo nunca me había planteado hacer video, video danza que es un género de la danza contemporánea y yo nunca lo había hecho. También me tocó empezar a modificar unas clases para un grupo de teatro; más que unas clases una asesoría coreográfica y, pues, no podíamos salir.

Tuvimos que cambiar un montón de cosas y dejar de ver la cámara como un impedimento y empezar a verla como una herramienta creativa, porque además con los dispositivos cambia todo. Ahora, ustedes hicieron cosas muy interesantes, Leidy hizo unas cosas con unos cables, hubo una fragmentación de los cuerpos, un juego con los planos y con la intervención de las acciones de los compañeros. Entonces, uno se pregunta: ¿Dónde realmente está el arte?, ¿Está solo en la gran tecnología o está en todas partes?” Actividad, pandemia, transformación de las prácticas artísticas. Segunda socialización del ejercicio

M.C. ¿Cómo nos fue esta vez, cuáles fueron sus percepciones sus opiniones A.C. “A mí me pasa que corporalmente soy muy restringido y que la única manera como me siento liberado es a través de la música. Por eso tomé el micrófono y empecé a hacer sonido. O sea, como pensar en música y en ritmo para poder fluir corporalmente”. Miedo a las cámaras. C.R. “Yo no le tengo miedo a las cámaras, sin embargo, creo que hay que trabajar a la espontaneidad y a la creatividad”. Miedo a las cámaras. M.C: “Para finalizar, les voy a mostrar esto. Este es el video de presentación de Malas Compañías. Hicimos videos muy cortos para mostrar nuestro trabajo. Buscamos usar espacios no convencionales, así como utilizar la cámara de maneras alternativas. Fue una maratón de celulares, todo fue hecho apunta de celular”.

“Yo les voy a pedir que ustedes también experimenten con sus espacios. Lo que hicimos fue una primera exploración, ahora ustedes lo pueden hacer en sus hogares”. “Por ejemplo, aquí está Laura, ella trabajó desde el baño de la casa de sus abuelos, que ahora es la casa de toda su familia, Veámoslo. “Explorando vamos a encontrar constantes, vamos a ver cada una qué va descubriendo de su relación con el espacio”. Videoarte, actividad. La sesión terminó cuando Claudia contó su propia experiencia con las cámaras. Al iniciar la pandemia, ella se vio conducida a explorar un género hasta entonces desconocido para ella, la videodanza. También tuvo que modificar las formas en que daba las clases, lo que la llevó a intentar pensar en la cámara como un recurso novedoso que provocaba nuevas maneras de hacer arte. Les propuso a los asistentes grabarse frente a las cámaras en sus hogares o lugares frecuentes y proponer otras maneras de explorarlos a partir del cuerpo y las cámaras.

Encuentro 2

Fecha: 22 de septiembre del 2021 Orientadora: María Claudia Mejía Tema: ¿Qué es la gestión cultural? Lugar: Centro Cultural Moravia Participantes: Natasha Ruiz, Fernando Puerta, Edwin Salazar, Mario Bustamante, Gloria García, Cristina. Moderadora: Leidy Rendón Redactora: María Clara Rivera

Reflexiones iniciales En el encuentro de hoy, María Claudia Mejía narró desde su experiencia como bailarina, coreógrafa y directora de la compañía de danza Malas Compañías, el quehacer del gestor cultural, sus funciones, retos y algunas recomendaciones sobre cómo el gestor se puede enfrentar a la obtención y administración de los recursos en el sector cultural. En principio, narró su trayectoria profesional, contó que es periodista de la Universidad de Antioquia y que su vocación la llevó a estudiar coreografía y danza en México, Venezuela y Europa. Hace ocho años fundó en Medellín su compañía de danza, un emprendimiento cultural que le ha permitido aprender de gestión y de las necesidades del contexto. Cita N.R. Natasha Ruiz F.P. Fernando Puerta E.S. Edwin Salazar M.B. Mario Bustamante G.G. Gloria García

MC: “Mi nombre es María Claudia Mejía, soy directora, coreógrafa y bailarina en la compañía de danza Malas Compañías. Yo estudié periodismo en la Universidad de Antioquia, pero desde chiquita sabía que iba a ser bailarina. Por su puesto, me tocó estudiar danza por fuera de la ciudad y el país, donde pudiera encontrar una beca que me ayudara. Vocación Cómo se llega al arte MC: “Eso es lo que nos preguntamos siempre cómo ganarse una beca sin enloquecerse en el intento” Becas

Presentación de los asistentes Luego, cada participante se presentó y comentó su experiencia con el arte. Inició Natasha Ruiz, integrante de Los hijos de Clowndia, un grupo de malabares y clown que nació en el Centro Cultural Moravia hace diez años. Para el colectivo, la pandemia provocó un reto, pues tres de sus compañeros desertaron del grupo y las dificultades administrativas no tuvieron espera.

Continuó Fernando Puerta, trabajador social e integrante de la Mesa Diversa de la Comuna 4, quien usa el arte como herramienta pedagógica a través del sociodrama. Edwin Salazar también es trabajador social y es el coordinador de la Mesa Diversa de la misma comuna, su relación con el arte es la de un espectador y escucha. Mario Bustamante se presentó como un estudiante de derecho con un emprendimiento de tejidos. Por último, se presentaron Gloria García y Carmen Ríos, escritoras y gestoras culturales. Juntas tienen un colectivo que se llama Letras, colores y vida donde hacen gestión alrededor de la promoción de lectura.

NR . “En este momento nos hemos visto muy afectados por la pandemia, tres compañeros desertaron. Uno movía las redes, el otro hacía el material audiovisual, entonces sentimos que estamos cojos administrativamente” - Emprendimientos culturales durante la pandemia

FP: “Yo soy trabajador social y utilizo el arte más que todo para invitar a lo comunitario” MB: Mi arte son las manualidades. Es el acercamiento que más me ha llamado, pero cuando me dijeron que no podía vivir de esto, me desencante - ¿cierto? - y también como esa disposición de la sociedad de que usted tiene que estudiar algo que tenga salida. El arte para qué, el arte como oficio. NR: Esa disposición de que no se debe ser artista viene sobre todo de afuera hacia adentro.

Reflexiones: ¿En qué contexto estamos? Ante esta presentación, María Claudia mencionó cómo los artistas al hablar de su oficio siempre enuncian sus deseos y expectativas por encima de las necesidades del contexto. Una perspectiva que se orienta más a ellos que a las necesidades sociales de su oficio, lo que ha sido un obstáculo para el desarrollo de las artes en Medellín, pues el sector cultural se ha empeñado en calcar ideas extranjeras, sin mayor reflexión y adecuación. Reiteró que en los oficios del arte es importante la pulsión y el deseo, pero debe situarse y moldearse con las necesidades del contexto para poder ser viable y útil. M.C: “Hay un asunto que hablábamos hoy con una gestora de proyectos muy tesa, que se llama Erika Bogart. Uno de los primeros debates a los que nos metió a todos los artistas fue: los artistas empezamos hablando de lo que queremos ser y hacer. Pero resulta que lo que yo hago siempre sale de mí, pero va hacia un otros. Yo los escucho a ustedes, pero ese ser artista debe posicionarse desde cómo se relaciona con el afuera”.

MC: “Un elemento muy interesante es abrir la verdad con ustedes de cómo funcionamos los artistas. Mucha gente cree que sabe qué es la gestión cultural, pero están fuera del contexto. No saben cómo son las cosas, piensan que todo es color de rosa, piden y dan cosas que son imposibles”. Gestión cultural en contexto. M.C: Lo primero que tendría que hacer una persona, no solo gestor cultural, sino un público, es entender qué ser artista en Colombia es un rollo. Hace muchos años yo también me preguntaba por qué el nivel de un artista en Colombia es menor que el de un artista extranjero y eso se debe también a nuestro contexto y es que lo calcamos todo. Gestión cultural en contexto. MC “Yo a veces miro a los muchachos del hip hop y digo: ¿Qué saben ellos de la historia ¿Qué tanto no están copiando sin reflexionar?, ¿o qué tanto se han preocupado por reflexionar todo este asunto? A ustedes les pasa, pero a nosotros también nos pasa todo el tiempo”. Producción artística en contexto. M.C “En las sesiones pasadas yo empecé con una pregunta: ¿por qué haces lo que haces?, ¿por qué haces artes plásticas?, ¿por qué haces danza?, ¿por qué haces teatro?”

“Esta pregunta no solo es válida para nosotros, sino para todos: ¿Qué tan apasionado soy con lo que hago en mi vida?”

“Gabriel García Márquez tiene un texto hermoso que se llama: Por un país para los niños, en él dice algo hermoso, y que podría parecer obvio, pero que en Colombia no sucede: la única manera de ser feliz y vivir en armonía con el otro es haciendo lo que amas”. Decidir ser artista. M.C: “Y es que lo atraviesa todo. No quiero sonar con esto cliché y no sonar conceptual o filosófica con esto, pero además de que en cada cosa hay una experiencia del arte, en cómo me visto, en mi experiencia de lectura. Sino que la ONU, a través de la Unesco decidió que uno de los siete pilares para salvar al mundo es el arte y este, en lugar de ser solo, es uno que atraviesa lo demás”. Función social del arte. Continúa exponiendo cómo la responsabilidad de quien se dedica a las artes es transversal, pues la UNESCO reiteró y consolidó en la agenda mundial la importancia de las artes para el desarrollo del mundo. Esta visión reivindica el valor social del arte, sin embargo, contribuye a su mercantilización. Esta postura a ojos de muchos puede ser contraproducente, sin embargo, es una oportunidad para construir proyectos donde no solo se vincula el acto artístico, sino que se construye un sector que produce arte. M.C.: “La gente dijo ¡Ah! es que el arte también es útil, ¡Ah! es que también da plata. Entonces uno dice, claro, cómo no va a generar plata un cuadro de Van Gogh que en este momento puede estar tasado en, no sé, doscientos millones de euros, cuando él se murió con dos euros en el bolsillo, ni siquiera existía el Euro”. Arte en el mercado. M.C. “En este contexto uno podría decir: se aprovechan de mi nobleza, o como decía una gestora cultural peruana que su nombre no recuerdo, nos están dando la oportunidad de ser hackers y meternos en sus políticas, pero con nuestros proyectos”.

Arte en el mercado. M.C. “En Colombia, es muy extraño trabajar en una compañía artística sin ser un artista. En otros países que nos llevan más tiempo de organización occidental ¿Cuál sería el alcance de nuestras civilizaciones si no nos hubiera tocado empezar de nuevo con la cultura traída desde Europa?”

Contexto de la gestión cultural en Colombia M.C. “Medellín es una ciudad muy nueva preguntándose quién es y por qué es así. Yo tengo 49 años y cuando era joven el mundo era otro. Me tocaba pedir visa para salir a cualquier parte. En cambio, ahora, puedes conectarte con las personas vía web en tiempo real. Sin embargo, el arte sigue siendo un asunto complicado”.

Gestión cultural, arte, Medellín. M.C. “Yo soy bailarina, pero para poder subir a un escenario a bailar, necesito un montón de gestión cultural atrás. Lo que aprendimos por las películas es que eso venía dado”. Gestión cultural, compañías artísticas. M.C. “En Europa y Norteamérica los roles del gestor y el artista suelen estar disueltos; sin embargo, en Colombia el artista asume gran parte de la responsabilidad logística dentro de su trabajo”. Gestión cultural, contexto. M.C: “Por eso una persona que haya estudiado otra carrera y se quiera dedicar al arte lo puede hacer. En una compañía se requieren de todos los cargos. Por ejemplo, en este momento yo trabajo con un productor que hace la parte administrativa, se llama Juan Álzate. ¿Un ingeniero cómo?: luces, sonido, hasta vestuario”.

Gestión cultural, compañías artísticas, quién puede dedicarse al arte. Recomendaciones para vivir del arte y no morir en el intento M.C. “Así como el pintor necesita el color en un punto preciso para construir su pintura; el bailarín requiere que cada uno de los participantes esté en el lugar preciso. En la Gestión cultural se necesita que cada participante del montaje cumpla un rol que conoce y para el que está preparado. No todos tenemos que hacer todas las cosas”. Gestión cultural, quién puede dedicarse al arte. M.C. “Aquí hay muchos directores y pocos actores, y esto aplica en todo el sector artístico. Necesitamos muchas más personas dispuestas a hacer los oficios”. Compañías artísticas, gestión cultural. M.C. Hay que saber en lo que uno es bueno. Ejemplo, yo no funciono para las Matemáticas. Hay que aprender a delegar. Distribución de los oficios. La primera recomendación de María Claudia es trabajar en equipo y distribuir funciones según las habilidades de cada participante del equipo. ¿Qué es la gestión cultural? FP: Yo tengo una pregunta, ¿desde cuándo se habla de gestión cultural? y ¿Qué significa Gestión cultural? Definición de Gestión cultural. M.C. En Medellín se empezó a hablar de Gestión Cultural a partir del encuentro Medellín-Barcelona realizado a principios del siglo XXI. Porque un grupo de personas vinculadas a la administración de Fajardo hizo un intercambio de ciudades entre Medellín y Barcelona. Uno de los primeros fue Jorge Melguizo. A su regreso fue un estallido e incorporaron términos de la gestión cultural catalana, por ejemplo, equipos.

Gestión cultural en contexto, Medellín. M.C. Por supuesto que mirar cómo funcionan las cosas en otros lugares del mundo es positivo. Pero después de coger esto e implantarlo igualito, debemos reflexionar un poco. Yo quiero ser la gestora catalana o qué herramientas me sirven de allá para poner a funcionar acá. M.C. “De esa experiencia nacieron los estímulos al arte y la cultura de la Alcaldía de Medellín. Y eso está muy bien, yo he participado en muchísimas becas en todo el mundo. La mayoría las he perdido, que es algo muy importante que todos debemos aprender. Las más difíciles, las más cabronas, las que más papeles solicitan son las de Medellín”. Estímulos al arte y la cultura, convocatorias. G.G.: “A parte de la papelería, ¿Qué hace que las becas de Medellín sean tan difíciles?” Estímulos al arte y la cultura- convocatorias- Medellín. M.C. “Ya lo hablaremos, mirando una beca que me gané en el 2019, primero hablaremos con Leidy”. L.R. “La Gestión Cultural es, en principio, una disciplina académica, no solo un oficio y se debe incentivar a su profesionalización. En Colombia, la profesionalización de la gestión cultural es muy reciente; de hecho, me parece a mí, que no se ha estructurado completamente. Hay dos tipos generales de gestión cultural, una que se hace en campo, la gestión cultural comunitaria y se hace con la gente. La otra es una gestión cultural institucional, que se hace desde la administración cultural. Es un ejercicio en el que mucha gente se autodenomina, pero mi llamado principal es especializarse, estudiarlo, porque hay mucho por aprender académicamente del tema”. M.C. “Como dice Leidy, es muy importante que le apostemos a la profesionalización de las artes. Aquí una persona baila bonito y se autodenomina bailarín; pero resulta que para ser bailarín toca estudiar por lo menos diez años, ocho horas diarias. Eso perratea todo, el oficio, En Colombia, sobre todo en Medellín tenemos muy disperso el valor de la profesionalización en las artes. No, la formación es fundamental”.

“¿Por qué valoramos la profesionalización en unas carreras y en otras no? Porque lo hemos permitido como gremio y como sociedad”

Profesionalización de las artes “Recuerdo que en un evento a un tipo se le ocurrió decir que el arte es como una gaseosa, ¡No! Nosotros no tenemos una receta, no hay una receta para el arte. No existe una receta para ser la mejor coreógrafa del mundo, que de hecho no lo soy. Hay un camino desde el corazón y las entrañas que te dice que ese es el único universo en el que puedes vivir”.

“En consonancia con esto, tampoco hay una receta para hacer un proyecto ganador de una beca. Entonces, aunque yo les diga que he participado en muchas becas y ninguna me la he ganado. Por alguna extraña razón tengo fama de habérmelo ganado todo. Una de las cosas que me ayuda es saber escribir y tener muy claro lo que voy a hacer, muy claro para mí mismo”.

Receta para ser artista, receta para ser gestor cultural. M.C. “Para terminar, les voy a mostrar el video que mandé para la convocatoria. Veremos un promo de la obra que se presentó para una convocatoria de la casa de la memoria. Yo presenté una propuesta para hacer coreografía en espacio no convencional, mi inspiración son las mujeres colombianas que buscan y buscan a sus seres queridos”.

“La beca nos la ganamos, era una residencia, así que el Museo nos permitió usar sus espacios y su gente para investigar y crear su obra. Presentarla allí era su condición, aunque ya la he presentado en otras partes. La obra tenía que ser con material del museo.”

“Introducción del proyecto:

Quiero que miremos la Introducción: Cada proyecto tiene algo distinto. Un asunto fundamental es saber a quién le estoy proponiendo el proyecto. Hay un asunto que es creer que se debe ser barroco en el lenguaje, pero mi Básicamente una introducción es presentar un panorama Yo dije qué era lo que quería desde la palabra persistencia, qué es lo que yo quería ser”.

“Es muy gracioso para un artista que le pidan un objetivo general. Pero hay que aprender a entender que las obras tienen un objetivo. El mío fue muy escueto, pero en él es donde uno habla de las cosas, tener claro hacia donde se dirige el corazón del proyecto”.

“Traje este proyecto porque gané con él, la idea es que lo diseccionemos y miremos qué podemos tomar para los nuestros” Ejemplo de proyecto para beca: Persistencia. La sesión cerró con la revisión, a manera de ejemplo, del proyecto Persistencia, ganador de la Convocatoria de Estímulos para el Arte y la Cultura 2019 en la modalidad de artes escénicas. Este proyecto se inspiró en las Madres de la Candelaria y las Madres de Soacha como ejemplo de las mujeres que persisten en la búsqueda de sus seres queridos desaparecidos o muertos por la violencia en Colombia. La obra consistió en una coreografía de danza contemporánea inaugurada a las afueras del Museo Casa de la Memoria. Por cuestiones de tiempo el proyecto no se pudo revisar por completo, pero como recomendación para la escritura se dijo: se debe saber siempre a quién se dirige el proyecto y se debe escribir con un lenguaje claro.

Encuentro 3

Fecha: 13 de octubre del 2021 Orientadora: María Claudia Mejía Tema: Cómo presentar un proyecto para convocatorias de arte, parte 1 Lugar: Centro Cultural Moravia Participantes: Andrés Caballero, Gloria García Torres Moderadora: Leidy Rendón Redactora: Laura Cañas

En esta sesión se continuó con la revisión del proyecto Persistencia, presentado por Malas Compañías, ganador de la Convocatoria de Estímulos para el Arte y la Cultura 2019 en la modalidad de artes escénicas.

Cita o momento de la sesión

MC: María Claudia Mejía LR: Leidy Rendón AC: Andrés Caballero GG: Gloria García Torres

Reflexiones iniciales MC . “Colombia en general tiene muy malas políticas culturales. He estado en otros países pero también me han contado procesos de construcción de las políticas culturales, todo ha sido copiado de algún país o ciudad donde funciona pero sin reflexionar nuestro lugar”.

Políticas públicas culturales: MC. “De hecho creo que Medellín es de los lugares más afortunados porque al menos tenemos varios años con políticas culturales o convocatorias de estímulos. Tenemos algo, pero le falta ser pensado dentro de nuestras realidades, en este caso de la realidad de Medellín”. Políticas públicas culturales: Medellín, descontextualización MC. “Este año Malas Compañías ganó un estímulo para hacer un taller de danza contemporánea con ex-combatientes. Propusimos 3 meses para desarrollar el taller, apenas la semana pasada nos notificaron y tenemos que entregar el 16 de noviembre (en un mes y medio). Por eso es una desgracia la burocracia colombiana. Claro, algunos funcionarios que manejan el tema presupuestal no tienen la claridad de que el arte necesita tiempo. Nos ponen a correr contra el tiempo y no debe ser de esa manera”. Políticas públicas culturales: burocracia, contratiempos MC: ¿Cómo se presenta un proyecto exitoso? MC. “He participado en montones de convocatorias y la gran mayoría las he perdido. Esa es una de las cosas que tenemos que saber, que el nivel de frustración es altísimo, y hay que seguir, seguir y seguir”. Frustración: perder una convocatoria. MC. “Una de las cosas que hace que un proyecto gane en una convocatoria es que sea bien presentado. Leidy me contaba que había gente le enviaba proyectos en audios de WhatsApp o un domingo, y no funciona así en ninguno de los sectores”. Ventaja: buena presentación de un proyecto MC. “Lo primero es tener tiempo, no hacer los proyectos un día antes. Puede pasar cualquier cosa, una firma o un requisito que falta. También la plataforma digital se satura y normalmente el día de cierre de la convocatoria. Al momento de ver la convocatoria, armar un calendario interno o propio, donde la fecha de entrega del proyecto sea máximo dos días antes del cierre oficial de la beca, por si hace falta algún documento o requisito”. El factor tiempo en la entrega de los proyectos MC. “Las personas que saben escribir tienen ventaja, porque una de las cosas fundamentales es escribir académicamente, no poéticamente ni en prosa.

Escritura académica MC. “Insisto en la sencillez, porque es un lenguaje académico, pero no a la altura de una tesis de posgrado ni de pregrado. Es lo más claro y sencillo posible”. Lenguaje sencillo y claro MC.“También he sido jurado de selección de ganadores, y es mucha la carreta que leo, se cree que hay que hacer un proyecto en un lenguaje ampuloso, bello. No y absolutamente no, porque los jurados sí saben, la gran mayoría. Los jurados son específicamente del área o disciplina de la beca de la beca”. MC. “Recomiendo copiar y pegar el listado especificado en las bases de la convocatoria de lo que debe tener el proyecto y desarrollar uno por uno los documentos, sin dejar nada por fuera”. Desarrollar los puntos en orden según las bases de la convocatoria. MC“En las convocatorias de la Secretaría de Cultura de Medellín y del Ministerio de Cultura piden dos tipos de documentos: documentos técnicos generales y documentos administrativos”. Tipos de documentos requeridos Documentos técnicos de los proyectos En esta parte de la sesión se revisó punto por punto el listado de los documentos técnicos generales, siguiendo como ejemplo la lectura del proyecto Persistencias, desarrollado por María Claudia y Malas Compañías.

Introducción: “Debe ser clara y conlleva a imaginarse el proyecto. ¿Hay alguna imagen que se les viene a la cabeza?

Es una pintada por encima del tema que más adelante hay que desarrollar con profundidad.

Una se pregunta: por qué tengo que hablar de este punto otra vez, porque son diferentes puntos de vista para abordar un mismo tema. No hay que dejar nada a la imaginación de otro, hay que ser lo más específico posible”. Introducción: primer acercamiento al tema

Objetivo general:

MC “Necesito que el jurado que lo va a leer sepa claramente para dónde voy”. Objetivo general: hacia dónde voy

Objetivos específicos

MC.“Son los pasos que voy a seguir para llegar a ese objetivo mayor. Se recomienda que no sean ni menos de 3 ni más de 5, porque cada objetivo específico tiene que ser realizado. Hay interventores que de verdad se fijan en que se cumplan cada detalle escrito”.

“Estas son todas las promesas que uno hace y que si puedes cumplir. ¿Qué no debe saber el jurado? La promesa que de pronto no puedas cumplir”. Objetivos específicos: pasos para llegar a objetivo mayor

Prometer lo que sí se puede cumplir. Presupuesto, tiempo y cronograma.

MC. “Otra cosa importante es ¿Qué tan concreto es el tema? las expectativas sobre el proyecto hay que recortarlas y precisarlas.

Los elementos que nos ayudan a no volar, a precisar y a no plantearnos imposibles son el tiempo y el dinero: ¿Cuánto dinero tenemos para invertir y cuánto tiempo tenemos para desarrollarlo?

El presupuesto y el tiempo son tan importantes porque hay que hacer un cronograma vs. presupuesto a ver si sí nos da, y empezar a jugar. He visto proyectos que son planteados hipermillonarios, porque piensan que entre más grande es el proyecto, más fácil se lo van a ganar y no. Si no está ajustado al presupuesto o si no demuestras que tienes más plata, no te lo vas a ganar. Es causal de rechazo que el presupuesto que se plantee supere el otorgado por el estímulo”. Tiempo y dinero: concretar el proyecto

Confrontar cronograma vs. presupuesto para ver viabilidad del proyecto

Causal de rechazo: plantear un presupuesto mayor al de la convocatoria

Justificación

MC. “Para nosotros que el arte nos hace más sensibles creemos que no hay que explicar por qué hacer una obra, pero sí hay que hacerlo. No es fácil porque nunca nos han enseñado a hablar de las artes sin estar el arte presente.

Es complicado cuando hay que hacer proyecto justificando que nos den dinero, y como es algo tan abstracto (que apela a otras maneras de reflexión, de concepción), la pregunta es cómo lo explico a otras personas más cuadriculadas, por ejemplo: siempre les decía a mis estudiantes ‘haga de cuenta que usted le va a explicar al gerente de Bancolombia por qué es importante su proyecto’, y claro, un gerente de Bancolombia es un señor que tiene 5 minutos para ti. Entonces, ¿Cómo vas a construir un discurso totalmente claro, que el gerente pueda decir ‘me interesa’ o mínimamente ‘lo entiendo’?. Y ahí no hay carreta que valga. Lo que se necesita es precisión”. Justificación: por qué hacer una obra

Preguntas Sobre la plataforma digital de los estímulos del Centro Cultural de Moravia

MC: ¿Hay manera de saber qué documentos pide la plataforma antes de ingresar a ella para tenerlos listos y que solo sea subirlos y enviar?

LR: La aplicación es sencilla y tiene una guía con paso a paso, y a la vez no se piden documentos oficiales difíciles de conseguir. Se pide que la experiencia y trayectoria se valide con certificados, cartas o cualquier soporte, entonces de entrada se recuerda que se deben gestionar estos certificados con tiempo. También solicitamos links de páginas web y redes sociales. Lo importante es que se dé cuenta que sí hay una trayectoria. Plataforma digital de estímulos CCM: sencilla y con guía paso a paso GG: ¿Al final del proyecto ustedes cómo demuestran el proceso de investigación?

MC: “Entregamos un informe. También, yo no tengo que informar una investigación tipo tesis. El informe contiene por ej. ‘vimos tantos videos, elegimos tales referentes, hablamos con estas fuentes, hicimos tantos videos’, como un enunciado de la investigación. Pero ojo, hay una diferencia clave, esta beca no me la hicieron para hacer una investigación sino para crear en danza. Lo que estoy diciendo es: yo como coreógrafa qué investigué para llegar a esta coreografía o esta creación. Toda la documentación e investigación para nosotras se traduce en movimiento y en acciones, estudiamos cómo hablan, se mueven, los colores que acompañan a las madres de desaparecidos. Es crear un banco de emociones para traducirlas en movimientos”.

La investigación para la creación en artes es diferente a una investigación académica tipo tesis.

La investigación se traduce en elementos de la obra GG: ¿Cómo el público evidencia que hubo un proceso de investigación en la coreografía?

MC: “si no llenas de contenido la obra, esta va a ser floja y el público lo sabrá. Si la obra logra que el público reflexione es porque ahí hubo la investigación. Pero el público no va a ver la investigación, si no la coreografía.

Hay personas a las que les interesa el proceso, y de hecho la danza contemporánea ranea ha abierto las puertas del proceso al público, que es lo que se hacía hasta mediados del siglo pasado”.

LR: por ejemplo en los estímulos que está otorgando el Centro Cultural lo que solicitamos al ganador de la beca es una bitácora para que documente su proceso. La idea es publicar esta bitácora en nuestra wiki, para que sirva como ejemplo para otras personas que deseen crear una obra o presentarse a esta beca. La investigación se refleja en el contenido de la obra

Una obra con buena investigación logra que el público reflexione

Bitácora como medio de documentación del proceso de creación GG: ¿Ustedes ensayan y se presentan en el espacio público y las personas interactúan con ustedes o con la obra, ¿algunas de estas interacciones impacta en lo creativo?

MC: sí, montones, en muchos sentidos y lo sigue impactando. Entendimos que había que educar a la gente. Ej.: pedir que los perros no nos molestaran a la hora del ensayo o guiar a las personas durante la presentación. Interacciones en espacios públicos: educar a las personas GG: ¿Cómo aparece la página web y si marcó un hito en Malas Compañías?

MC: Aparece cuando hice un taller con Interactuar, y nos ponían a hacer un pitch para convencer a inversionistas para que te den una necesidad que tienes. Entonces dije que lo que necesitaba era un página web, porque la página web es un archivo donde está lo esencial, donde cualquier persona, por ejemplo un periodista, puede encontrar qué es y qué hace Malas Compañías.

Pensamos que un blog sería buena idea y tenemos ese espacio pero no funciona, y es lo único que la gente no busca. Eso también depende de lo que quieras lograr con la página web.

La página web tiene este problema, que no me la construyó un artista, diseñador, sino un ingeniero que cree que todas las páginas web deben tener lo mismo, y en la práctica no es así.

Otro problema que hemos tenido es que ha sido muy difícil armarla y desarmarla y creo que es porque la hizo un ingeniero. También en esa época no sabía de marketing cultural digital. Es diferente el marketing digital al marketing cultural digital.

Página web: archivo de lo esencial

Qué es y qué hace

Diferencia entre marketing digital de productos y cultural Reflexiones finales MC. “Las becas que son de dinero público es muy importante hacerlas bien, implementarlas bien. Y si vemos que hay mejoras en el proceso público, decirlo por los canales abiertos de comunicación. Con la convocatoria no nos regalan nada, porque es nuestro dinero”.

Políticas públicas culturales: comunicar mejoras MC. “Hay una discusión en la Universidad de Antioquia de si la creación es investigación o no, y obviamente sí lo es. Igual, recuerdan que este proyecto no es para el público, es para un jurado, y ahí es cuando hay que ser super juicioso. El público es el que se da cuenta si la obra funciona o no, pero es importante aquí ubicarse en qué le vamos a dar al jurado y hay que darle todo lo que necesites para ganar, para convencerlo”. Creación es investigación

Al escribir el proyecto: ubicarse en que el lector es el jurado Sobre páginas web y marketing digital

LR. “También es importante que el artista aprenda a usar ahora una cantidad de herramientas y, asimismo, cómo usarlas. Y también hay un componente estético que sin ese componente el contenido es fatal”. Los artistas deben aprender a usar las herramientas

Desarrollar un componente estético en el uso de herramientas MC. “Con el marketing digital nos enseñan a vender productos, ropa, galletas, zapatos, pero el arte es otro mundo, otra cosa. Este tipo de marketing digital apunta a darle al público lo que quiere. Pero el arte no es eso, es algo del nosotros, es nuestra necesidad de…, y ahí es importante la figura de un gestor cultural que abra un camino para que esa especificidad tenga salida.

No me interesa que la página web venda funciones de Malas Compañías al por mayor, me interesa que nos conozca, que tenga un archivo, que una persona de Asia o África pueda ver y leer en inglés y español.

Queda algo en el aire y es que la tecnología está avanzando tan rápido que lo que hoy es un precepto para ser exitoso en las redes, mañana ya no es”.

Diferencia entre el marketing digital masivo y de producto al marketing cultural (especificidades) MC. “Una reflexión de cierre: el paisa cree que el mejor restaurante es el que ofrece de todo y no es así, es mejor quien se especializa”. MC: Las redes sí nos han traído mucho público, a cada rato no escriben por ahí. Entonces es ir navegando y encontrando cuáles canales nos sirven más. A veces la página web está caduca, porque a veces es más fácil tener información actualizada en Instagram.

GG: En las redes también lo que he aprendido, es que si te hackean la cuenta, se pierde tu contenido y también el contenido que subes le pertenece a Facebook. La página web sigue siendo importante porque queda para ti, tienes derecho sobre ella.

MC: Es cierto, cuando quieres saber más de algo buscas la página web, y también le da más seriedad y credibilidad. Redes sociales: atraen público y contactos

Página web: seriedad, credibilidad y contenido propio LR: Los artistas no pueden hacerlo todo, y cuando vas creciendo, empiezas a encontrar personas idóneas que pueden apoyarte con su trabajo. Caminar solo como artistas es muy difícil.

GG: ¿Pero cómo financiar ese equipo de trabajo si ya vivir como artista es difícil?

MC: Ahí es importante los proyectos y las convocatorias. Algo que también me ha funcionado es que si alguien quiere bailar conmigo en Malas Compañías, además de los ensayos de baile y ejercicios todos los días, cada persona debe hacer una cosa, por ej. encargarse de las redes sociales o asistencia de producción. Redes y equipos de trabajo para crecer

Financiación: proyectos y convocatorias MC. También es importante que quede claro que cuando no hay proyecto no hay plata, cuando hay proyecto repartimos los recursos entre todo. Y debe ser acuerdo previo, y es importante hacer una carta de compromiso y/o manual de convivencia y que sea firmado para que estén claros todos los asuntos. Poner todo por escrito es complicado pero es muy necesario. Es muy de nuestra cultura que no somos capaces de poner por escrito y en palabras lo que queremos y necesitamos.

Otro asunto es hablar de dinero, culturalmente hay un tabú y vergüenza, nos da mucho trabajo abordar este tema y es importantísimo. También existe algo que es el entusiasmo paisa, y nos dejamos llevar por el momento, pero no llegamos al momento de planear. Igualmente hay el tabú de que no podemos decir que no queremos hacer algo. Acuerdos previos: cartas de compromiso

Poner por escrito es necesario

Derribar el tabúes de: hablar de dinero y decir que no

Encuentro 4

Fecha: 27 de octubre del 2021 Orientadora: María Claudia Mejía Tema: Cómo presentar un proyecto para convocatorias de arte, parte 2 Lugar: Centro Cultural Moravia Participantes: Andrés Caballero, Gloria García Torres, Carmen Rubio Toro Redactora: Laura Cañas

En esta sesión se finalizó la revisión del proyecto Persistencia, presentado por Malas Compañías, ganador de la Convocatoria de Estímulos para el Arte y la Cultura 2019 en la modalidad de artes escénicas. También se abarcaron temas más generales sobre políticas culturales públicas y procesos de creación artística.

MC: María Claudia Mejía LR: Leidy Rendón AC: Andrés Caballero GG: Gloria García Torres CR: Carmen Rubio LC: Laura Cañas Tema principal Reflexiones iniciales

MC. “Empiezo esta sesión con una paradoja y es que vengo a hablarles de cómo vivir en Colombia del arte, y sucede que he trabajado todo el año y no me han pagado si no dos de esos trabajos. ¿Qué les puedo decir?, la cruda realidad. El arte en Colombia siempre ha vivido en crisis”. Vivir del arte en Colombia MC. “Podemos hacer miles de cursos para ser exitoso en el arte, pero si la obra no tiene calidad, no hay nada. Si no es bueno, no toca ninguna fibra”. Calidad en el arte GG

“Hay gente que dice que los proyectos se los ganan los mismos, pero esos mismos son los que llevan años estudiando sobre cómo escribir proyectos, cómo mejorar sus procesos”. Resultados en el estudio en el arte MC. “La televisión tipo RCN y Caracol nos han enseñado que un artista se hace en tres meses, por ejemplo, realities como Bailando como un sueño, Factor x, Protagonistas de novelas. Entonces hacen creer que no se necesita preparación . El arte es una de las cosas que se llevan por dentro, nacen con uno y que además es una carrera de largo aliento”.

Estudio en el arte: carrera de largo aliento MC. “A las personas creadoras y que hacen arte les recomiendo buscar también residencias artísticas para salir del país, no solo por la crisis tan brutal que tiene el país, sino porque es una manera de conocer el mundo, intercambiar, y para mí es la mejor escuela. Y porque uno se da cuenta que hay países que sí consideran importante el arte y los artistas. Y es importante ir a países donde el arte sí es importante.

Algunos bailarines de mi edad, que fuimos la generación terca, que decidimos bailar danza sí o sí, muchos nos fuimos, y cuando volvimos nos unimos y sacamos adelante la danza en Medellín, y uno de los resultados es el pregrado de la licenciatura en danza de la Universidad de Antioquia. Una de las otras cosas difíciles de ser estudiante colombiano es que nuestro gobierno no tiene buenas ayudas para estudiar en el exterior, es más fácil aplicar a becas de otros países y organizaciones”. La mejor escuela: intercambios y residencias artísticas Documentos técnicos de los proyectos Se continuó con la revisión punto por punto del listado de los documentos técnicos generales, siguiendo como ejemplo la lectura del proyecto Persistencias, desarrollado por María Claudia y Malas Compañías.

“Vamos a terminar de revisar este proyecto Persistencia, desde la perspectiva de que ustedes son los jueces y vamos a ser muy críticos”, sugiere María Claudia.

Justificación

MC. “Es contar por qué es importante el proyecto. Si en la justificación quedaron convencidos, entonces sirve. Si estoy sentada frente al gerente de Bancolombia que no tiene tiempo para atenderte, y no le puedes echar carreta”. Justificación: cómo convencer al jurado MC. “Importante también es no plantear el proyecto pensando qué tema nos va a dar plata, cuál es el tema del que la gente está hablando, sino de un interés genuino.

Aquí sí confieso que a veces mezclamos el arte con la social, y a veces pienso que es importante y a veces no. Sin duda para ganarse un estímulo de estos, conviene hablar del arte desde lo social.

“Que sea conectar desde un argumento real, no desde la carreta”. Crear proyectos y obras con interés genuino Impacto

MC. “Es difícil porque siempre se busca que sea medible y contable, porque siempre se ha pensado desde disciplinas que no son el arte, desde disciplinas cuantitativas. Es tan cuestionable que muchos de los mejores pintores y escritores han ganado mucha plata después de muertos. Por eso empiezo en el proyecto con sinceridad: ‘es difícil saber con tanta antelación el impacto de la obra en las personas’”.

Sinceridad en los resultados esperados Metodología

MC. “Es explicar de la manera más sucinta cómo llegar a lo que planteamos, es contar los paso a paso”. Cómo llegar a lo planteado. Paso a paso

Referentes

MC. “Son fundamentales. Sobre todo ahora con la facilidad de buscar en internet, es importante buscar artistas que hayan hecho cosas parecidas a los que están presentando, o desde donde ustedes también se están parando.

Hay una cosa muy clara, ya todo está hecho, el asunto es como tú lo haces. Si pueden poner fotos de los referentes, mucho mejor”.

Similitud con lo que se está planteando en el proyecto

Apoyar los referentes con fotos Cronograma

MC. “Es muy bueno, no solo para ellos, si no para uno. Es muy difícil cumplirlo al pie de la letra. Que sea fácil de entender”. Cronograma: útil para el artista y para jurado o interventor

Presupuesto

MC. “Es lo más difícil de hacer. Generalmente las becas de Medellín mandan un formato. Es muy importante decir la verdad. Hay gente que pone que tienen recursos propios o extra, por ponerle y es mentira. Ser lo más justo posible”. Presupuesto: decir la verdad MC. “La idea de escribir un proyecto es que el jurado tenga lo más claro posible lo que vas a hacer, casi que se pueda imaginar la obra. No se puede hacer a última hora.

Para soportar el texto, hice videos en el Museo Casa de la Memoria de ensayos de danza, tomé fotografías e hice dibujos antes de participar en la convocatoria y los adjunté en el proyecto. Es querer que esa persona casi se imagine lo mismo que yo tengo en la cabeza. Sobre todo es importante porque hablar de la danza es hablar de algo muy abstracto. Claro, el jurado lee pero si ve el video, tiene más claro la obra”. Soportar el texto con fotografías, dibujos, videos, audios

Apelar a que el jurado se imagine lo mismo que tú con el proyecto. MC. “Super recomendado enviar en pdf, jamás enviar proyectos en formatos editables, a menos que pidan un formato específico. Es muy recomendado sobre todo para proyectos con empresas privadas. La idea del pdf es que nadie pueda alterar lo que pusiste.

Los formatos de audio, video, imagen, texto tiene que ser de una calidad óptima”. Formatos: pdf no editable y calidad óptima. MC. “También cuando envías un proyecto a una empresa privada tiene que ser todavía más concreto, máximo dos páginas, ya que en general un gerente no tiene tiempo para leer más páginas”.

Proyectos para empresas privadas: más concretos MC. “Hay que ser súper específicos con lo que pidamos y necesitamos. No suponer que ellos saben”.

Especificar necesidades Preguntas LC: ¿Qué te genera no saber el impacto de tu obra en las personas?

MC: Me da miedo susto, nervios, pero también me agarro de uno de nuestros lemas y es ‘la función debe continuar’, y bailo con el mismo rigor para 4 personas que para 1500.

También las redes han revolucionado todo porque dan herramientas para cuantificar entradas al perfil, interacciones. Y otras herramientas que pueden cuantificar como en Spotify cuántas reproducciones tiene una canción, o se puede medir cuántas veces se vende un libro, pero el impacto real nunca se sabe.

También hay creaciones que nadie se espera que sean exitosas y que le lleguen a muchas personas, y se venden mucho, o se escuchan mucho. El arte también es intuitivo”. Rigor e intuición.

Impacto de la obra: cuantificación vs. sentir humano GG: El marketing clásico dice que es buena estrategia sondear la satisfacción del consumidor. A veces me he preguntado cuando se hace un evento, ¿Qué tal pedirle a alguien de confianza una retroalimentación? No lo hago con mis libros o mis escritos.

MC: sí, lo recomiendo, no a todo el mundo porque se vuelve un enredo, pero funciona tener una retroalimentación de alguien de confianza, máximo dos personas, que te pueda decir sugerencias o lo que no funciona en tu obra. Retroalimentación GG: ¿Qué hacer cuando envías un proyecto a un organización privada y no te responden?, hay muchas historias de personas que han visto que después montan la idea que habían presentado.

MC: sí, es cierto. De hecho hoy mismo me advirtieron eso, que no enviara todo el proyecto a una empresa privada. Me dijo que enviara un resumen, porque luego lo implementan ellos, aun cuando jamás vaya a ser igual. Y algo que necesitamos como artistas es saber de derechos de autor”. Derechos de autor

Advertencia sobre copias de proyectos Reflexiones finales MC. “En general acá pasa mucho que copiamos lo que se hace en Europa o Estados Unidos pero no reflexionamos sobre eso. Las convocatorias del Ministerio de Cultura y de Secretaría de Cultura son copia y pegue sin reflexionar en las necesidades del mercado.

Tenemos 3 opciones: 1. participar y que no nos importe, 2. participar pero decirle “ojo, que ustedes están pidiendo cosas que no tienen sentido”, 3. participar en todos los encuentros posibles donde podamos decir esto. También podemos conocer nuestros derechos y deberes como artistas y ciudadanos de Colombia y usar todos los espacios de presión y conversación”. Políticas públicas culturales: copia

Participación en espacios públicos de presión y conversación MC. “Ya se ha visto que poco a poco hay funcionarios o empleados que sí les gusta su trabajo de gestión cultural y se preocupan por eso, por ser cuidadosos, y luchan contra toda esa burocracia para lograr cambios”. Labor de gestores culturales MC. “Una de las malas costumbres de la sociedad es que no nos atrevemos a protestar porque nos da miedo o porque creemos que protestar es gritar. Es muy difícil que te hagan caso. Somos una sociedad muy difícil.

Los malos vicios tenemos que contarlos. Cuando no te dan lo que necesitas, cuando no cumplen lo que prometen, cuando son irrespetuosos con el arte, los artistas y sus obras”. Re-validación de la protesta

https://youtu.be/cLVA9Qruzu8